在学习绘画的过程中，我曾用很长的一段时间用来打基础，那个时候，我很容易明白怎样画才对，走得很坚定。但越是继续走下去，就越发现再没有明明白白的对与错了。我面临许多选择，反复地问自己愿不愿意。是继续老歌新唱呢，还是开始谱写自己的曲调?是模仿造化呢，还是创造属于自己的天地？能否扔掉一些自己不算太钟情的元素，令自己走得更加专注？

　　广东有一种植物叫美人蕉，每次开完花都要把枝干砍掉，只保留健康的根系，才能重新发芽开花，可能学习的过程和这情况差不多吧。

　　画画本来就是很主观的事情。

　　我有一次偶然地看到一份印刷品校色板，是把印刷品放大若干倍的效果，正常状态下的每一片均匀的色块，其实都是由无数个整齐的色点组成，正是这个启发了我。客观世界经过放大观察时，会出现许多有趣的点和线的组合，形成各种各样的肌理。这些肌理属于抽象的规律语言，最终完结到一个个具体的形象中。例如：断断续续的斜线组合成牛仔布衣物，深浅不一的交叉网格组合成亚麻布衣服，聚聚散散的小点组合成磨砂的皮具，等等……

　　这与中国画以线造型的特点十分吻合：线条十分适合表现这些丰富多变的肌理，古人早已创造出许多真实的纹理表现手法。例如用均匀的细线表现微观的毛发，用不同的皴法表现不同质地的山石，用不同的描法表现不同的衣物材质。这些艺术表现手法都来源于对自然的细致观察，再经过夸张与省略，达到真实。

　　从学生时代开始，我就一直专注于白描，《八十七神仙卷》曾陪我度过两年时间，其间我完整地临摹了四遍。在那段不食人间烟火的时光，我每天陶醉在线条的节奏韵味里，那种热爱，属于宗教信徒的虔诚。

　　于是，我忍痛割舍了原本非常习惯的渲染技法，把它减至最少。感觉像开辟出一片新天地，在这里，我能肆意抒发自己对线条的迷恋。

　　在人物画创作中，遇到画面的最重要部分——脸和手时，我只在关键的转折部位小心渲染，保留了纸本身透明的颜色。在细密粗糙的肌理衬托下，只有白描勾线人物的脸部和露出来的手脚已经显得非常细腻，过多的渲染只会破坏这种珍贵的效果。另外有些画面效果能轻易地用颜色平涂渲染出来，我却把它放大，变成整齐排列的点或线，用点和线模仿放大的、有序而又富于变化的肌理效果。这种表现手法产生一种既抽象又真实的视觉效果，也恰恰符合了我的个性与爱好。